Não é muito comum séries de televisão com este grau de profundidade e rigor na abordagem a um tema espinhoso e complexo como a religião e o sua dialética com a humanidade em cada um de nós . O que…

Não é muito comum séries de televisão com este grau de profundidade e rigor na abordagem a um tema espinhoso e complexo como a religião e o sua dialética com a humanidade em cada um de nós . O que mais me impressiona em “Raised By Wolves” é justamente o total desprendimento em relação às convenções que no fundo limitam as abordagens possíveis a um tema como este: falar da religião abertamente como uma força que corrompe, deturpa e delapida por completo a humanidade em cada um de nós, na medida em que nos circunscreve a muros de crenças e rituais, e em última análise nos privam da liberdade, da verdadeira liberdade.

Aqui o humanismo é detido por duas máquinas, encerrando-se o tema central da série na sua metáfora principal, a personagem “Mother”, a figura maternal que com o passar da história se vai humanizando cada vez mais, em contraponto aos restantes humanos que se diabolizam, e que já para o fim da primeira temporada regridem à mais animalesca e primária das condições. A personagem de Amanda Collin (numa soberba interpretação) vai descobrir a redenção do amor, perseguida que é pelos humanos cegos pela religião e o misticismo; daí também o contraponto de “Mother”: a criança inconformada (o revolucionário utópico), a minoria ruidosa representada por “Campion”, a criança supostamente frágil, um sobrevivente e a erva daninha da mudança.

Para além das óbvias conotações políticas de imediata tradução contemporânea; religião e a cegueira da ignorância e do misticismo, sobressai também o virtuosismo técnico deste projecto que tem como Produtor Executivo e realizador de alguns episódios Ridley Scott; isto a par de uma fotografia belíssima, uma banda sonora enigmática e sedutora, além de um naipe de actores que emprestam a esta série, que sem dúvida ascenderá a objecto de culto em pouco tempo, um cunho de autenticidade que faz a diferença quando se abordam de forma tão descarada temas tão polémicos e sensíveis como a religião e humanismo.

Um trunfo precioso da HBO e uma série absolutamente obrigatória para quem ama a 7a arte. Para ver sem fé ou perdão.

Quem me conhece sabe o que esta história, estes livros, significam para mim: a história tantas vezes repetida do homem preso ao seu destino, o profetizado salvador no seu tempo sem tempo, um messias, um libertador de um povo oprimido,…

Quem me conhece sabe o que esta história, estes livros, significam para mim: a história tantas vezes repetida do homem preso ao seu destino, o profetizado salvador no seu tempo sem tempo, um messias, um libertador de um povo oprimido, proscrito e sem pátria; a lenda de Muad’ib, que acaba por ser uma alegoria comovente e desencantada da humanidade, da história do mundo, do nosso mundo. E é justamente esse jogo de espelhos que Herbert faz durante os cinco livros que a mim me esmaga por completo; na história de Muad’ib e dos Fremen temos dois mil e tal anos do nosso próprio passado que ele condensa numa série de metáforas e alegorias, de pensamentos, de reflexões sobre a humanidade, o sentido da existência, a missão intrínseca da nossa espécie, sobre o verdadeiro sentido do humanismo numa perspectiva universal, profunda e sentida. Villeneuve tem a missão ciclópica de trazer para o grande ecrã a lenda de Muad’ib num formato que chegue a todas as gerações, aos fãs como eu, mas sobretudo, e com urgência, às novas gerações que não leram os livros, nem nunca ouviram falar de Arrakis; porque é sobretudo para eles que Dune mais faz sentido, na sua colagem à actualidade política e social, com a questão premente do povo da palestina ainda na ordem do dia, dos refugiados sem pátria (os Fremen de Herbert), das contradições do nosso mundo capitalista, da ascensão dos populismos e dos salvadores, e da queda nos totalitarismos.

Comoveu-me imenso ver o esforço e o talento colocado neste projecto: desde um elenco absolutamente de sonho a uma espécie de dream team atrás das câmeras, sem concessões e sem tecto de orçamento, um all in da Warner e de Villeneuve com a missão sobretudo de ser fiel, de ser verdadeiro e de fazer justiça ao material de origem. E isso percebe se desde logo neste trailer; para além da fotografia inacreditável, do som, da escala no design de produção, dos efeitos visuais assombrosos, dos fragmentos de interpretações soberbos (Chalammet, Rebecca Ferguson, Xavier Bardem, enfim…) “, além disso tudo, aquele toque, aquele pormaior de colocar “Eclipse” dos Pink Floyd, eles que foram os originariamente escolhidos pars compor a trilha sonora no projecto falhado de Jodorowsky , uma canção que fala sobre lágrimas na chuva, sobre o tempo e sobretudo, sobre a inviabilidade do destino. Uma mensagem, uma espécie de abraço sentido enviado da produção para os fãs antigos que já entraram nos 40, e eu tal como eles, percebemos. Obrigado por este presente.

O espantoso elenco que está a colocar em total estado de apoplexia os fãs de “Dune”: a Casa Atreides perfilada com Jason Momoa como o temerário Duncan Idaho em primeiro plano, Timothée Chalamet como Paul Atraides / Paul Muad’Dib lá…

O espantoso elenco que está a colocar em total estado de apoplexia os fãs de “Dune”: a Casa Atreides perfilada com Jason Momoa como o temerário Duncan Idaho em primeiro plano, Timothée Chalamet como Paul Atraides / Paul Muad’Dib lá atrás, e perto, Rebecca Ferguson como a sensual e poderosa Lady Jessica, Josh Brolin como o mestre Gurney Halleck, entre outros. A quantidade inacreditável de talento presente no Casting de “Dune” (falta aqui por exemplo Javier Barden como Stilgar !! Stellan Skarsgård como Barão Vladimir Harkonnen !!, Charlotte Rampling como Mãe Reverenda Gaius Helen Mohiam !! enfim…) indicia que não se olhou a despesas na missão de trazer à vida (mais uma vez) a imortal saga que Herbert escreveu sobre a volatilidade dos Líderes Humanos, sobre a religião, o equilíbrio dos ecossistemas, os povos proscritos, o socialismo e as utopias; tudo questões pertinentes e perfeitamente actuais, que invocam a tremenda profundidade de “Dune”, nas suas múltiplas interpretações filosóficas e políticas que o colocam na prateleira exclusiva das grandes obras da literatura mundial.

“Dune” é além de tudo uma obra profundamente humana, nela se retrata a ascensão de um líder, um (falso) messias, com uma palavra de esperança que leva a um povo proscrito, levando a cabo uma dilacerante luta pela sua libertação, pelo que é justo, pelo que está certo; mas esta sua missão está juncada de interrogações e sombras, escondendo um futuro sombrio, um horizonte povoado pela sombra do totilitarismo, da intolerância e dos fascismos. A luta de Paul Muad’Dib pela justiça, pela igualdade, pela liberdade irá o transfigurar a si e ao povo que jurou libertar da oligarquia e de opressão, paradoxalmente em algo ou alguma coisa que nunca foi sonhada, mas que aconteceu como se fizesse parte de uma estranha ordem natural das coisas. E essa é a mensagem terrível e ao mesmo tempo cheia de humanidade que “Dune” nos ensina: Um homem, uma mulher, um ser humano, é fruto do seu contexto, do seu momento no tempo e espaço. A lenda eterna do amanhecer de Paul Muad’Dib e dos Fremen, irá ser contada de novo.

É um daqueles filmes destinados a ingressarem nas prateleiras dos “de culto”, restritos a uma plateia de cinéfilos inveterados, a quem nada pode ou deve escapar, muito menos este excesso visual e artístico que nos apanhou de surpresa em 2011….

É um daqueles filmes destinados a ingressarem nas prateleiras dos “de culto”, restritos a uma plateia de cinéfilos inveterados, a quem nada pode ou deve escapar, muito menos este excesso visual e artístico que nos apanhou de surpresa em 2011. O bonitão Ryan Gosling (meninas, além disso, aquela voz…compreendo-vos) teria aqui um dos seus papeis já icónicos; um condutor profissional, lacónico e reservado, apanhado pelas circunstâncias, numa história claramente inspirada na filmografia de Scorsese, filmada de forma soberba por Nicolas Refn, numa obra que quase se pode encarar como um art movie, auto-contemplativo e hiperbólico como tem de ser. Refn acentuaria ainda mais o envelope visual e sonoro dos seus filmes numa das suas obras posteriores, o muito sensual e interessante “The Neon Deamon”, com a sexy Elle Fanning no papel principal, o filme que acabou por assinalar as limitações artísticas deste cinema plástico e atmosférico, que entretanto abriria o filão de fãs para filmes como “Mother!” de Aronofsky ou mesmo “The Killing of a Sacred Deer” de Yorgos Lanthimos, uma nova e excitante abordagem mais focada no visual, na forma e no método.

Uma lufada de ar fresco no cinema americano embrulhada além de tudo numa banda sonora electropop que ajudou ao lugar mítico que ocupa. Imprescindível.

No princípio era uma ideia bonita, uma forma de aproximar pessoas, abrir janelas para a alma do outro, uma ideia no fundo idealista que só podia vir de um adolescente com a ilusão de conquistar o mundo. A ideia pegou…

No princípio era uma ideia bonita, uma forma de aproximar pessoas, abrir janelas para a alma do outro, uma ideia no fundo idealista que só podia vir de um adolescente com a ilusão de conquistar o mundo. A ideia pegou e hoje fazemos parte de uma rede social que diz que nos liga, uma rede de redes sociais, parece. Podemos falar de nós, e termos a impressão que alguém nos lê, ou percebe, ou se importa, mas cresce a impressão que se ergueram muros em vez da tal janela para nós mesmos, a consciência global que se sonhou, estilhaçada nos mesmos medos e vícios, nos mesmos anseios e desejos. Para nos mostrar ainda mais o quanto detestamos gordos e gordas, gente feia, pretos e ciganos, era escusado. Sublinhou-se a diferença em vez do que nos une, já que no lugar do que nos aproxima, escolhemos mostrar máscaras, uma vida perfeita cheia de certezas, de sorrisos e felicidades, escondendo a autenticidade, as verdadeiras vitórias, pela saída fácil da frasesinha-recado com o sol detrás, a mentira do que queríamos ser em troco do que somos e que insistimos em guardar para nós. A julgar pelo facebook, não há fome, guerras, infelicidade, divórcios, gente desesperada…uma frase de ajuda, um grito ou um pedido engolido em seco, só gatinhos e cãezinhos felizes, sorrisos na câmera tremelicante, mais um amor, uma promessa ou conquista. Tudo a cheirar a tanga, a demais ou demenos.

Nas redes de engate, Tinder e adjacências, procura-se validação, eles e elas, depois de um dia a dia em que nada mais são que uma peça insignificante numa engrenagem muito maior e de que nunca farão parte, o bálsamo temporário para o ego atropelado por uma vida mais de derrotas do que vitórias. Tic-tac diz o tempo à medida que as rugas surgem e se sentem cada vez mais na borda do prato; por isso procuram elas já sem vergonha ou pejo, e tão desperadamente, o macho alfa com o qual possam misturar o corpo e os seus genes, o macho perfeito que tenha ficado eventualmente esquecido na prateleira até aos 40, que depois disso é já datado. Mas é impossível concorrer com as pitas que um dia também já foram, e mesmo com as trintonas com tudo no sítio, reduzido que está o engate e a paixão a meia duzia de fotos tipo passe e de corpo inteiro, e algumas frases ridículas em que no fundo ninguém acredita. E eles… perfilados na fila, vendendo-se nos perfis tipo gado, touros de cobrição, altura, peso, casado ou solteiro, profissão, conta bancária, só falta, passados à frente pelos alfas colecionadores de foda, provavelmente casados sem excepção , mas que continuam a ser prioridade na ementa de qualquer quarentona desejosa de se salvar de ficar para tia, ou ainda pior, morrer sem misturar os seus genes com um verdadeiro alfa reprodutor, um verdadeiro, que os há, além dos betas punheteiros e dispensáveis.

Do restolho dos dias, ficou isto. Frases ditas em silêncio, num ecrã decorado de emojis, de fotos cheias de sorrisos e frases que falam sobre o importante da vida, sobre sonhos e anseios, mas nunca sobre nós mesmos. Vive-se por isso a mentira preferível à crueza destes dias como fotocópias. Zapping sobre as fotos de adolescentes a empinar o cu para a câmera e a mandar beijinhos; um dia crescerão e serão mães, e estas imagens da sua juventude são como o urânio de Chernobyl, durarão décadas, testemunhos de quando tanto as mamas como as certezas eram firmes, e a natureza cooperava. Mas ninguém quer crescer e chegar aos 40, e ter de se reinventar sem olhar para trás, ou muito pior que isso: ter de estar no Tinder a fazer zapping , querendo o impossível e o que nunca terão: a viagem no tempo. Regressar ao tempo em que foram realmente felizes. É isso que procuram. Felicidade ao lado de alguém que realmente se importe e os deseje.

Algo no entanto impossível de achar em perfis decorados com máscaras.

Na cena icônica de “Taxi Driver”, Travis olha-se no espelho, olhando também ele próprio através do plano directamente para a audiência, para nós espectadores, e pergunta, ironicamente, se estão a “falar” para ele, numa interpelação que Scorcese faz à plateia,…

Na cena icônica de “Taxi Driver”, Travis olha-se no espelho, olhando também ele próprio através do plano directamente para a audiência, para nós espectadores, e pergunta, ironicamente, se estão a “falar” para ele, numa interpelação que Scorcese faz à plateia, nos implicando formalmente a todos como testemunhas e validando a transformação da personagem, o seu apocalipse interior, o seu mote, o seu destino: sendo um marginal na borda do prato da sociedade, rejeitado, chegou pois a hora de ele próprio rejeitar a sua humanidade mutando-se em algo que já não é uma pessoa, mas um símbolo, um instrumento para a sua própria missão. Nunca antes o cinema tinha olhado de frente o apocalipse interior, a queda no abismo sentimental, ou dito de uma forma mais lata: o homem acorrentado ao seu destino. Tal como Travis, The Joker é alguém preso no seu mundo, e lentamente vai descendo a sua escada emocional até se transformar numa paródia dele mesmo (a comédia que invoca a espaços), um ser sem lugar ou tempo, a faca que a personagem que nos olha interrogativa usará para se fazer cumprir, implicando-nos em silêncio; sem escape ou alternativa transfigura-se na figura ascética e auto-mitificada de The Joker.

Todd Philips é um fã, tal como eu, de Scorsese, e mais do que usar como referência essa obra prima absoluta do cinema do último século que foi “Taxi Driver”, realiza um filme que se afigurará completamente incontornável nos próximos anos exactamente por nele se ensaiar esse abismo interior em que o ser humano pode cair, quando aprisionado, sem futuro ou passado, um pária sem lugar; homem versus destino, algo que testemunhamos também, pela mão de Scorcese, em títulos como “The Departed” , ou “Silence”.

‘Joker’ é também por outro lado um documento político; nele se explana em larga medida a dinâmica entre os grupos marginais e o poder ausente e opressor, o homem cidadão atropelado na engrenagem política, e nesse sentido é um filme transgressor e incômodo, tal como já tinha sido ‘Taxi Driver’, num tempo diferente, mas objectivamente no mesmo contexto. A sua aura anarquista, insinuando que qualquer um de nós está a um passo dessa tal marginalização social, através do desemprego, da própria doença mental invocada no filme, e de ser colocado perante o dilema de Travis ou Joker, tem tanto de polêmico como actual, o que em si é já algo de perturbador para o espectador e que merece debate e discussão.

Cinema visceral, para ver sem desesperar…